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martes, 25 de julio de 2017

Rosa Siré, abstracción y experimentación hasta el infinito y más allá...

La reapertura del edificio del Roser como Parador Nacional en Lleida, me ha traído recuerdos varios, exposiciones, las clases de pintura, y las prácticas de la carrera, en concreto me acordé de Rosa Siré, que nos acogió en su aula y nos enseñó sus grabados, nos habló de técnicas, de colores… y entonces pensé ¿Por qué no le he dedicado ninguna entrada? Así pues, en lugar de hablaros de mis batallitas durante mis años de estudiante os quiero presentar a esta artista, injustamente olvidada, ya que además de técnica y tenacidad, tubo la capacidad de renovarse constantemente, de experimentar para evolucionar como artista, de reivindicar su papel como mujer en un mundo de creadores masculino, mantenerse fiel a su obra y su estilo.

Rosa Siré, pintora y grabadora, es la gran artista abstracta de Lleida del último medio de siglo y se la considera una de las figuras clave de la transición estética en el arte catalán de los años 70.



Hija de uno de los periodistas más influyentes en Lleida durante la posguerra, José Siré, se interesó muy joven por el mundo del arte. En 1962 empieza sus estudios artísticos en la Escuela Círculo de Bellas Artes de Lleida. Recibió clases de grandes maestros como el escultor Leandre Cristòfol y Albert Coma Estadella.

Con 22 años se va a vivir a Paris, donde entra a estudiar en l’Ecole de Beaux Arts. Sus estudios de arte los completará en la facultad de Bellas Artes de Barcelona, donde acabará por configurar un estilo pictórico que arranca del estructuralismo geométrico y que con los años se irá reforzando a medida que substituye los objetos por cromatismos y manchas.

Sin título, 1968


Con el apoyo de Fernado Zobel, inaugura su primera exposición en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca fue todo un éxito, y la situará en el panorama artístico de los años 70, y le permite entrar en contacto con artistas madrileños de vanguardia, sobre todo con los integrantes del grupo El Paso.
La misma exposición se presentó un año más tarde en la Petite Galerie de Lleida, en esa época una sala de referencia para la vanguardia artística del momento.

Junto con la artista Maria José Montaña se deciden a abrir una academia de dibujo y pintura en Lleida, con el nombre de Estudi Nouart.
Sin título (Serie Binomios) 1973
A mediados de los años 70 se traslada a Barcelona para estudiar grabado, en el estudio de Maria Assumpció Raventós, y donde coincidirá con otros artistas de la época como Arranz Bravo y Cardona Torrandell entre otros. Al regresar a Lleida abre su primer taller de grabado.


Los éxitos se suceden, expone en Madrid y Barcelona y sus exposiciones serán prologadas por grandes figuras de la crítica artística como Alexandre Cirici, Daniel Giralt-Miracle o Corredor Matheos, o el filósofo Luis López Aranguren. Durante la transición fundó junto a otros pintores de Lleida el grupo L’Ereta, ya que exponían en la vieja plaza del mismo nombre, en un intento por sacar el arte a la calle.

Sin título, 1978

De Rosa Siré destacan su tenacidad y el interés por experimentar constantemente, buscar nuevos materiales, renovar conceptos lo que la convirtió en una pintora inquieta y en constante renovación. Gracias a esta constante en su carrera en 1983 recibió una beca de “Investigación de nuevas formas expresivas” otorgada por la Generalitat de Cataluña.
Rosa Siré era una gran entusiasta del grabado, y en su última época se acercó a esta disciplina a su manera experimentando y combinando las técnicas clásicas de grabado con los materiales de desecho como el metacrilato. En 1990 recibe el 1r Premio de Industrias Gráficas en Serigrafia en Barcelona.

Noviluni. El nadador negro, 1989
Combinó su trabajo como artista con la docencia, de manera que en 1992 se hace cargo de las clases y la dirección del Taller de Grabado de la Escuela de Bellas Artes de Lleida.

Opus IV, 1998

El año 2000 el Museu d'Art Jaume Morera le concedió la Medalla Morera, que aceptó aunque con declaraciones muy críticas con la política cultural de la Paeria. La pintora siempre se mostró muy crítica con la consideración social recibida en un entorno “provinciano” como el de Lleida, y en el que a falta de reconocimiento tampoco le había facilitado desarrollar la actividad artística.
También criticaba la situación de las mujeres en el mundo del arte, y en determinados contextos, por eso des del principio de su carrera firmo todos sus obras como Siré.

Morera 1927, 2001
Su última gran exposición fue el año 2011 en el Institut d’Estudis Ilerdencs. Murió en 2014 en Lleida. En el Museu d’Art Jaume Morera de la ciudad podemos encontrar una gran muestra de su trabajo, que ella misma donó y amplió posteriormente con una donación de obra grabada.

Sin título 2003
Fuente : Bloc Museu d'art Jaume Morera y Pintores de Lleida: artistas de ponent (catálogo exposición)


Para saber más: 

lunes, 1 de septiembre de 2014

Las mujeres de la vanguardia española

Son seis pintoras que, aunque no todas nacieran en España, irrumpieron en la vanguardia española del primer tercio del siglo XX, coincidiendo con el movimiento cubista. Todas ellas fueron mitificadas, incluso alentadas por sus compañeros; también fueron vistas como sujetos exóticos; pero luego nunca han contado con una revisión oficial equivalente a sus colegas masculinos, a pesar de ser pioneras. Quizás porque nunca manifestaron la vocación de articular un grupo, quizas porque tenian identidades dispares o porque sus biografías tienen poco en común. Sea como fuere, empezamos setiembre con mucha ganas, y rindiendo homenaje a estas grandes artístas.


María Blanchard (Santander, 1881-París, 1932)



María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos. Esta deformidad resultante de una cifoscoliosis con doble desviación de columna, condicionará desde su nacimiento su destino y la devoción por su trabajo.

Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente, por lo que apenas existen fotografías de la artista. "Tan amante de la belleza, sufría con su deformidad hasta un grado impresionante", escribe su prima Josefina de la Serna.
Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su verdadera vocación. Sus primeros pasos vacilantes se dirigen al estudio de Emilio Sala, cuya precisión en el dibujo y exuberancia en el color influirán en sus primeras composiciones. En Madrid siente el rechazo de una sociedad cerrada.
En 1906 la diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y convertirse en la pintora que todos conocemos. En París acude a la academia Vitti a recibir las enseñanzas de Hermenegildo Anglada Camarasa y Van Dongen que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión, permitiéndole alejarse de las restricciones de la pintura académica en la que había iniciado su carrera. 

Allí compartirá casa con Diego Rivera y Angelina Beloff,  y entrará en el circulo cubista, donde establece una gran amistad con Juan Gris y Jacques Lipchitz.

Biografía de María Blanchard en la Wikipedia 
María Blanchard en el Museo Reina Sofía 





Maruja Mallo (Lugo, 1902-Madrid, 1995)



 María Gómez González, más conocida por el seudónimo de Maruja Mallo, nació en Viveiro (Lugo) el 5 de enero de 1902 y falleció en Madrid el 6 de febrero de 1995. 


Perteneciente a una familia de buena posición, se inicia en el dibujo a edad muy temprana copiando ilustraciones de las revistas de la época. En 1922, al trasladarse su familia a Madrid, tanto ella como su hermano Cristino ingresan en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
En Madrid, su compañero de estudios Salvador Dalí la introduce en el ambiente de la Residencia de Estudiantes, donde encontrará a quien será su pareja intermitente entre 1925 y 1931: Rafael Alberti. También conoce entonces a dos personas de enorme influencia a lo largo de toda su vida: María Zambrano y Concha Méndez.
En 1928 se produce su encuentro con José Ortega y Gasset. Crea algunos dibujos para la Revista de Occidente y realiza su primera exposición, de gran trascendencia en su momento, en la que se incluye su serie Verbenas pintada, según escribió entonces Francisco Ayala, por «un sentido jovial de la vida». Para García Lorca: «Estos cuadros son los cuadros que he visto pintados con más imaginación, con más gracia, con más ternura y con más sensualidad». 
Los años inmediatamente anteriores a la Guerra Civil los pasa como profesora de la Escuela de Cerámica y trabajando sobre temas sociales –a lo que no es ajena su amistad con Miguel Hernández- y las Arquitecturas minerales y Arquitecturas vegetales, que los críticos emparentan con la Escuela de Vallecas. A este respecto hay que recordar su excelente relación con Benjamín Palencia y Alberto Sánchez. 
Desde Galicia, donde se encuentra al inicio de la guerra con las Misiones Pedagógicas, se desplaza a Buenos Aires en principio como conferenciante invitada por la asociación de Amigos del Arte y con Gabriela Mistral, embajadora en Lisboa, como mediadora, pero su estancia se extiende hasta 1961, interrumpida sólo por algunas temporadas en Chile y Uruguay. Esta vez es el entorno de la revista Sur quien la acoge.

 


Norah Borges (Buenos Aires, 1901-1998)



Norah Borges, seudónimo de Leonor Fanny Borges Acevedo artista plástica y crítica de arte argentina, hermana del escritor Jorge Luis Borges, perteneciente al Grupo de Florida.

Marchó con su familia a Suiza para tratar la ceguera progresiva del padre, el abogado Jorge Guillermo Borges. Estudió en la École des Beaux-Arts de Ginebra con el escultor clasicista Maurice Sarkisoff y con Arnaldo Bossi en Lugano, cerca de expresionistas alemanes exiliados como Ernst Kirchner; con Bossi aprendió xilografía y la estética expresionista, según declaró ella misma en un reportaje de 1940 en la revista Atlántida. En Suiza escribió e ilustró su primer libro poético, Notas lejanas (1915). La estancia en Europa se alargó a causa de la Primera Guerra Mundial hasta 4 años. Tras viajar por toda la Provenza (Norah queda muy impresionada por Nîmes, a cuyo paisaje dedica algunas piezas) entran en España, donde amplió sus estudios y participó en las Vanguardias. Van primero a Barcelona y luego, en 1919, a Palma de Mallorca, donde Norah estudió con Sven Westman; allí los hermanos Borges colaboraron en la revista Baleares (Norah su "Músicos ciegos", etcétera); fueron luego a Sevilla, donde entraron en la Vanguardia del Ultraísmo; publicó trabajos suyos en Grecia, Ultra, Tableros y Reflector, así como, en 1920, el proyecto de portada para El jardín del centauro, un libro de poemas de Adriano del Valle; pasan por Granada y finalmente recalan en Madrid, donde Norah estudió con el pintor Julio Romero de Torres. Allí amistó además con Juan Ramón Jiménez, algunos de cuyos poemas ilustró, y quien le dedicó uno de los retratos líricos de su libro Españoles de tres mundos. Vuelven luego a Palma de Mallorca en junio de 1920.

Norah Borges en la Wikipedia 
Biografía de Norah Borges en MCM 





Olga Sacharoff (Tblisi, 1879-Barcelona, 1967)



Nació en Georgia, estado actualmente independiente y antes englobado en la URSS. Su madre era de origen persa. Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Tiflis, se trasladó a Múnich (1910) y entró en contacto con el expresionismo alemán. Allí residía también su futura pareja, el fotógrafo y pintor Otto Lloyd, quien vivía gracias al dinero que le remitía su madre desde Suiza. Olga y Otto no se conocieron en Múnich, sino años después en Capri, durante un veraneo.
Olga Sacharoff viajó a París en 1911, acusando la influencia de Cézanne hasta sumergirse en el cubismo más radical, denominado «sintético». Ya emparejada con Otto Lloyd, frecuentó el círculo de exiliados rusos encabezado por Marie Vassilief. 

El estallido de la Primera Guerra Mundial llevó a Sacharoff a viajar a España en 1915, junto con Otto. Primero la pareja residió en Mallorca, y en 1916 se estableció en Barcelona. Algún historiador considera que ella fue la introductora del cubismo en dicha ciudad. Sacharoff colaboró en la revista de Francis Picabia 391, que se editó en Barcelona y que se considera portavoz del dadaísmo. De esta revista se publicaron cuatro números, en los que colaboraron también Marie Laurencin y Apollinaire.
En 1922, Olga y Otto viven una crisis de pareja y se separan. Ella entra en una depresión y deja de pintar durante cinco años. Reaparece en 1934, con una exposición en las Galerías Layetanas de Barcelona y al año siguiente en el Salón Montjuic, donde fue nombrada «Miembro societario».
Al estallar la guerra civil española (1936), Olga se traslada a París y se reencuentra con Otto Lloyd; se reconcilian y en 1939 exponen juntos en la Perls Gallery de Nueva York. Acabada la guerra, regresan a Barcelona, su casa se convirtió en sede de una animada tertulia, de la que queda como testimonio un cuadro, La Colla, con 41 personajes.
Elegida por Camón Aznar, participa en el I Salón de los Once de Eugenio D'Ors en la Galería Biosca de Madrid. Dos años después organiza una retrospectiva de su obra parisina de 1910-30, y en 1960, la Dirección General de Bellas Artes le dedica una antológica. En 1964, sus amistades se movilizan para que se le conceda la Medalla de la Ciudad de Barcelona, y lo consiguen. Olga Sacharoff muere tres años después, en 1967.

Olga Sacharoff, una història d'exili i acollida (ICD)
Notícias sobre Olga Sacharoff en El País




Remedios Varo (Gerona, 1908-México, 1963)



Relacionada en sus inicios con los movimientos de vanguardia, su obra se inscribe dentro de un surrealismo muy personal. Entre sus cuadros, caracterizados por una gran profusión de imágenes y una peculiar combinación de poesía y humorismo, destacan Insomnio (1942-1947), Modelo de traje para vagabundo (1957) y Vampiros vegetarianos (1962).


En 1936 participó en la Exposición Logicofobista realizada en Barcelona y, desde entonces, se acercó a los componentes del surrealismo francés. Durante la Guerra Civil (1936-1939) conoció al escritor francés Benjamin Péret y, tras un tiempo de vida en común en España, marcharon a París. En la capital francesa participó en las reuniones y exposiciones surrealistas. Tras la invasión del ejército alemán, abandonó París y se instaló en México (1941).

Allí empezó a trabajar como artesana, pero enseguida pasó a formar parte del grupo surrealista y a relacionarse otra vez con Esteve Francés y, sobre todo, con la pintora británica Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente artístico fue definitivo en la concepción estética de la creadora española. También formaron parte del grupo al que era asidua Octavio Paz, César Moro, Eva Sulzer, Gunther Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre otros. 

Su obra anterior a la Guerra Civil es poco conocida, pero lo que se ha conservado indica la dirección que iba a seguir en los años posteriores: imaginería onírica dentro de los parámetros del surrealismo ortodoxo (que después se haría más libre) e ingenuismo estilístico. Su conciencia narrativa, a menudo recargada de figuras tomadas de los cuentos infantiles, llega en algunas obras a hacerse casi sofocante. Aun siendo ello interesante, la autora dio lo mejor de sí cuando se ocupó más en crear relaciones espaciales y cromáticas per se, liberadas de abigarramientos iconográficos. No obstante, son muy célebres sus exploraciones de diminutos mundos fantásticos (con evidentes evocaciones del mundo medieval y de la pintura de El Bosco y Brueghel el Viejo), su gusto por las escenas referidas a la alquimia y sus metamorfosis de la figura femenina, mito primero de la creación simbolizado como fuente natural de belleza y regeneración. 






Ángeles Santos (Girona, 1911- Madrid 2013)




Artista gráfica española. Sus primeras obras están a caballo entre el surrealismo y el expresionismo, luego se decantó hacia el postimpresionismo con temas de paisaje e interiores. En 2005 recibió de la Generalidad de Cataluña el Premio Cruz de San Jorge.

Hermana del poeta y crítico de arte Rafael Santos Torroella, se inició en el dibujo y la pintura a los catorce años durante su etapa colegial en el internado de las Esclavas Concepcionistas de Sevilla. Dos años más tarde se trasladó con sus padres a Valladolid, ciudad donde recibió clases del pintor italiano Cellino Perotti y pintó, a los 18 años, Un mundo, óleo de gran formato que representa un extraño planeta surrealista, conservado actualmente en los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Tras realizar un par de exposiciones en Valladolid, su participación en el IX Salón de Otoño de Madrid el año de 1929, incrementó su fama teniendo como consecuencia la publicación de artículos que dieron razón de su pintura (medio expresionista, medio surrealista) de la mano de intelectuales y críticos como Jorge Guillén, Ramón Gómez de la Serna, Manuel Abril, Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Guillermo Díaz-Plaja, Joan Teixidor, entre otros.
En 1931 realizó una exposición individual en París y, en 1932, participó en la colectiva de Artistas Ibéricos en San Sebastián, Copenhague y la capital francesa. El año siguiente fue invitada a exponer en la muestra colectiva del Carnegie Institute de Pittsburgh (EE. UU.) y en 1936 figuró en el pabellón español de la Bienal de Venecia.

En 1933 se trasladó a Barcelona, ciudad donde contrajo nupcias con el pintor Emilio Grau Sala en 1936. En este periodo, Santos dejó de pintar; ya sea por relegar el arte a un segundo plano debido a su matrimonio y el nacimiento de su hijo Julián, o como señala Mercedes Prado, porque su estética, frente al Noucentismo catalán, entró en crisis tras ser calificada de dura y poco amable debido a su tilde expresionista y oscuro cromatismo. Debido a ello, cuando Santos volvió a dedicarse a la pintura, esta se dulcificó y abordó temas como el retrato, los interiores urbanos y los paisajes marítimos de la ciudad condal; motivos que los críticos contemporáneos le reprocharon su impronta postimpresionista.
Falleció el 3 de octubre de 2013 en su casa.

Ángeles Santos, precursora secreta de las vanguardias 
Angeles Santos se lleva el enigma (notícia EL PAÍS) 








jueves, 13 de marzo de 2014

Maruja Mallo, la feminista que no quiso serlo





Sin duda fue una de las mujeres que abrieron el camino que otras seguirían en décadas posteriores, pese a que no lo había hecho de una manera planeada. Podría decirse que fue un feminista que nunca quiso serlo. Sin procurarlo conscientemente, su vida es un ejemplo de como una mujer puede decidir su propio destino y hacer cosas que la mayoría de las mujeres de la época no podían soñar.

María Zambrano dijo de ella: ”cometió uno de los errores más destructivos e imperdonables: ser libre”.


María Gómez González, más conocida por el seudónimo de Maruja Mallo, nació en Viveiro (Lugo) el 5 de enero de 1902 y falleció en Madrid el 6 de febrero de 1995. 

Perteneciente a una familia de buena posición, se inicia en el dibujo a edad muy temprana copiando ilustraciones de las revistas de la época. En 1922, al trasladarse su familia a Madrid, tanto ella como su hermano Cristino ingresan en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Es una etapa que no repudió: «Me interné cuatro años en la Academia. Tenía a Romero de Torres de ropajes, a Benedito de colorido, a Moreno Carbonero de dibujo, a Rafael Doménech de historia del arte. Hoy hablas con cualquiera que expone y no sabe nada de arte antiguo. Sólo se puede superar una civilización o un yo cuando se tiene un conocimiento total y entonces saltas por encima de esos conocimientos y llegas al auténtico que es el inconsciente, pero si no conoces nada no puedes llegar a ningún sitio», diría a Escribano en 1982.

Maruja Mallo y Rafael Alberti en Puerto Santa Maria

En Madrid, su compañero de estudios Salvador Dalí la introduce en el ambiente de la Residencia de Estudiantes, donde encontrará a quien será su pareja intermitente entre 1925 y 1931: Rafael Alberti. También conoce entonces a dos personas de enorme influencia a lo largo de toda su vida: María Zambrano y Concha Méndez.

La Verbena 01


En 1928 se produce su encuentro con José Ortega y Gasset. Crea algunos dibujos para la Revista de Occidente y realiza su primera exposición, de gran trascendencia en su momento (aunque Juan Pérez de Ayala recuerda que ya había expuesto anteriormente en Avilés, donde pasó su adolescencia, y en Gijón), en la que se incluye su serie Verbenas pintada, según escribió entonces Francisco Ayala, por «un sentido jovial de la vida». Para García Lorca: «Estos cuadros son los cuadros que he visto pintados con más imaginación, con más gracia, con más ternura y con más sensualidad».

Maruja Mallo y Josefina Carabias con Antro de fósiles 1931


En 1932 expone en París  la serie surrealista Cloacas y campanarios, de la que Juan Ramón Jiménez critica abiertamente, y por contra, André Breton compra una de sus piezas: «André Breton, el jefe surrealista, se presenta con sus entorchados y sus charreteras en el estudio de la pintora y compra un cuadro titulado Espantapájaros», escribirá Gómez de la Serna.
Un año después conoce al uruguayo Joaquín Torres García, junto a quien profundizará en el estudio de la geometría y de los estudios sobre la proporción áurea del príncipe rumano Matila C. Ghyka, de tanta relevancia para su trabajo posterior.

Maruja Mallo, 1927


Los años inmediatamente anteriores a la Guerra Civil los pasa como profesora de la Escuela de Cerámica y trabajando sobre temas sociales –a lo que no es ajena su amistad con Miguel Hernández- y las Arquitecturas minerales y Arquitecturas vegetales, que los críticos emparentan con la Escuela de Vallecas. A este respecto hay que recordar su excelente relación con Benjamín Palencia y Alberto Sánchez. 

La ciclista (Concha Méndez) 1927

También colabora con Rodolfo Halffter en los decorados y escenografía de la ópera Clavileño –ya había hecho lo propio con El ángel cartero de Concha Méndez y varias obras de Alberti-, y presenta Sorpresa del trigo en la exposición organizada en mayo de 1936 por ADLAN (Amigos de las Artes Nuevas) en Madrid. 


Mensaje del mar, 1937



Desde Galicia, donde se encuentra al inicio de la guerra con las Misiones Pedagógicas, se desplaza a Buenos Aires en principio como conferenciante invitada por la asociación de Amigos del Arte y con Gabriela Mistral, embajadora en Lisboa, como mediadora, pero su estancia se extiende hasta 1961, interrumpida sólo por algunas temporadas en Chile y Uruguay. Esta vez es el entorno de la revista Sur quien la acoge.
         

En 1942 Ramón Gómez de la Serna publica la monografía Maruja Mallo en la editorial Losada, donde hace un recorrido por su evolución artística. 
 
Pablo Neruda y Maruja Mallo. Chile 1945.

Con Pablo Neruda viaja a la isla de Pascua en 1945, y es el tiempo en que inicia la serie Naturalezas vivas. Es también ahora cuando crea el mural hoy destruido del cine Los Ángeles de Buenos Aires. En 1947 intenta realizar otros murales para la Fundación Rockefeller y los Estudios Metro Goldwyn Mayer, pero el proyecto no se lleva a efecto. 

Cabeza de mujer (cabeza de negra) 1946


En cambio logra el Primer Premio de Pintura de la XIII Exposición de Nueva York en 1948. En 1949 publica Arquitecturas, cuyo prólogo escribe Jean Cassou.

Los años 50 son de una retirada de la vida pública, aunque expone sin mucha trascendencia en París, Uruguay y Buenos Aires y crea parte de las series de Cabezas de mujer y Máscaras. José Luis Ferris, en su biografía Maruja Mallo. La gran transgresora del 27 (2004) titula este periodo como «Malos tiempos para una diosa» y explica cómo la inestabilidad política y económica de Argentina puede estar relacionada con este retiro.

            En 1961 hay un primer regreso a Madrid, que puede considerarse definitivo a partir de 1962. En 1967 obtiene el Premio Estrada Saladrich en la Bienal Internacional de Pintura de Barcelona y desde los años 70 se convierte en una presencia fundamental de los ambientes artísticos madrileños, aunque más por su pasado que por sus nuevas obras que pocos ven: las series Moradores del vacío y Viajeros del éter.



Como escribe Estrella de Diego: «Fascinaba encontrar a esa mujer que venía de ese tiempo suspendido, tan moderna, tan de ultramar, tan vanguardista. Y se pensó que, si no llegó a ser surrealista hubiera podido ser una surrealista impecable. Aunque, seguramente, de haberlo sido, no hubiera recibido el apoyo de Ortega, cuyas posiciones nunca fueron favorables al movimiento. Quizás llamamos surrealista a Maruja Mallo porque no supimos cómo llamarla, porque su viveza personal y pictórica nos dejó, a nosotros también en plenos años ochenta, sin etiquetas convincentes».
(fuente:  Shirley Mangini, Maruja Mallo y la vanguardia española. Ed. Circe, 2012.)

Para saber más:

Maruja Mallo (en Capitulo Aparte, art. Periodico ABC)

A feminista que non quixo selo (art. El País, Galicia)

Maruja Mallo:pintora libertaria y mujer irreductible (en ¡Déjenme vivir! )

Maruja Mallo y Rafael Alberti, un amor creativo y un olvido premeditado (en Arrinconarte)

Fuera de orden. Mujeres de la vanguardia española (en Biblioteca de mujeres artistas)

Bibliografia:

Ferris, José Luís: Maruja Mallo: la gran transgresora del 27. Ed. Temas de Hoy, Madrid, 2004.

Mangini, Shirley: Maruja Mallo y la vanguardia española. Ed. Circe, Madrid, 2012.

VVAA: Fuera de orden. Mujeres de la Vanguardia Española. Catálogo de la exposición. Fundación Cultural MAPFRE VIDA, Madrid, 1999.



 

sábado, 13 de abril de 2013

Margarete Schütte-Lihotzky arquitecta, militant antinazi i inventora de la cuina modular

Al cap del dia passem moltes hores a la cuina, i la ventatja de la cuina modular es tenir-ho tot a l'abast amb el mínim d'espai possible i el màxim de recursos disponibles, no? Doncs aquesta modernitat de cuina, tant popular, i que trobem a totes les cases data dels anys 30. Però no la va cuinar cap chef ni cap megacuiner amb estrelles Michelin... sino una dona!! sí, sí, tal com ho llegiu....
Margarete Schütte-Lihotzky

Margarete Schütte-Lihotzky  va ser la primera dona arquitecta austríaca. Activa militant antinazi, ha passat a la història del disseny per la concepció de la primera cuina moderna i modular: la cuina Frankfurt.

Va néixer a Viena, en una família burgesa. I va ser la primera estudiant femenina de la Kunstgewerbeschule, avui en dia coneguda com la Universitat d’Arts aplicades de Viena, on donaven classes artistes de la talla de Josef Hoffmann, Oscar Kokoschka o Anton Hank. Per poc no entra a la Universitat, i la seva mare va haver de convencer un amic per tal que demanes una carta de recomanació a un famós artista, en Gustav Klimt. 

Va ser deixeble d’Oskar Strnad, que va ser un dels pioners de l’anomenada “sozialer Wohnbau" (vivenda social) a Viena. Inspirant-se en el seu treball Margaret Lihotzky es va endinçar en el disseny funcionalista, que en aquell moment era una tendència, però que ben aviat va esdevenir un requisit per la nova arquitectura.
Després de la seva graduació, va treballar en diversos projectes, i també va col·laborar amb el seu mentor Adolf Loos, en el desenvolupament d’un complex residencial per veterants de la Primera Guerra Mundial.


La frankfurter Küche

El 1926, l’arquitecte i urbanista Ernst May, que en aquell moment era l’arquitecte de Frankfurt, a Alemanya, i disposava d’influència política i recursos econòmics suficients per resoldre el problema de la vivenda social a la ciutat, va reunir un equip de treball, entre els quals hi havia Margarete Lohistsky, i van treballar en un projecte de vivendes socials, que es va resoldre amb gran èxit. 

Després d’aquest projecte de vivendes, va continuar treballant a la ciutat, dissenyant escoles bressol, residències universitàries, escoles i altres edificis per la comunitat. A Frankfurt va conéixer Wilhelm Schütte, amb qui es va casar uns anys més tard. Uns anys més tard el 1926 va crear la “cuina Frankfurt”, la primera cuina modular de la història, i que ven aviat va esdevenir el prototip de cuina equipada, i que avui en dia es considerada un “clàssic” en totes les llars.
Reconstrucció de la cuina Frankfurt
Disseny original de 1926




Basant-se en les investigacions científiques americanes sobre l’organització del treball, fetes per Frederick Winslow Taylor, i en les seves pròpies, Margarete va refer el model de cuina dels vagons restaurants per concebre la seva “cuina-laboratori” dedicada a les llars particulars, utilitzant el mínim espai, però oferint el màxim confort i màxim equipament per les tasques domèstiques. Va tenir tan èxit, que el consell social de Frankfurt va instalar 10000 d’aquestes cuines prefabricades als seus apartaments de nova construcció per la classe obrera.



La “Brigada de maig”

Margarete Schütte-Lihotzky membre de la delegació d'Austria en un congrès a Berlin el 1947
Quant la situació política de la República de Weimar va començar a deteriorar-se i es comença a afavorir exesivament la dreta, el matrimoni Schütte-Lihotzky decideix unir-se a l’equip d’arquitectes “Brigada de maig”, capitanejat per Ernst May. Així, el 1930, van agafar un tren amb destí Moscú, on el grup d’arquitectes va encarregar-se de dura a terme la primera aplicació del Pla Quinquenal d’Stalin, com per exemple construir la ciutat industrial de Magnitogorsk. Tot i que la “Brigada de maig” havia d’encarregar-se de la projecció i execució de 20 ciutats industrials en tres anys, el projecte no va tirar endavant, com a conseqüència de la difícil situació política del país. Ernts May va deixar l’ URSS  el 1933, i el matrimoni Schütte-Lihotzky es va quedar fins el 1937, quan “la gran Purga” d’Stalin va agreujar la seva situació i va esdevenir insuportable i perillosa. Aleshores, Margarete i el seu marit es van mudar a Londres i després a Paris.


Els anys de la guerra
 
El 1938 Margareta i el seu marit van rebre una oferta de treball per donar classes a l’Acadèmia d’Art d’Istambul. Allí va dissenyar diverses escoles bressol basant-se en les idees de Maria Montessori.
Istabul era un lloc bastant segur pels refugiats europeus, de manera que Margarete va tenir l’oportunitat de conéixer diversos artises exiliats com Bela Bartok o Hindemith. 
Margarete el 1940

El matrimoni també va coneixer Herbert Eichholzer un col·lega austriac que va organitzar una mena de resistència comunista contra el règim nazi. El 1939 Margarete s’afilia al KPÖ , Partit Comunista Austríaca, i un any més tard, torna voluntariament a Austria de la mà de Eichholzer per establir contacte amb els moviments de la resistencia austríaca. Un mes després, va ser arrestada per la Gestapo, juntament amb Eichholzer i altres conspiradors. Aquests darrers van ser arrestat i acusats d’alta traïció, i els van condemnar a mort i executar el 1943. Margarete va ser condemnada a 15 anys de pressó, va complir pena a la pressó d’ Aichach de Baviera, on finalment va ser alliberada per les tropes estadounidenses el 25 d’abril de 1945.




El reconeixement
Després de la guerra, s’en va anar a treballar a Sofia, Bulgaria. I finalment va tornar a intalar-se a Viena el 1947.
Va conservar les seves idees comunistes, motiu pel qual no va rebre cap encarrec oficial, tot i que el país estava en ruïnes i en ple procès de reconstrucció. Per aixó va treballar com a consultora fora d'Austria, a la Xina, a Cuba o a l’Alemanya de l’est. L’any 1951 es va serparar del seu marit.
 
Margarete Schütte-Lihotzky a Xina

La seva obra va ser reconeguda per les autoritats austríaques fa relativament poc temps:

  • Va rebre el Premi d’Arquitectura de la ciutat de Viena el 1980. 
  • El 1985 va escriure les seves memòries (Records de la resistència). 
  • Fidel a les seves idees comunistes, el 1988 es va negar a rebre una conmemoració de mans d'en Kurt Waldheim, a les hores President de la Federación Austriaca, per la seva dubtosa conducta durant la Segona Guerra Mundial.
  • El 1990 el Museu Austríaca d'Arts Aplicades de Viena, va inaugurar una reproducció a escala de la seva cuina Frankfurt
  • El 1995 va formar part d'un grup de supervivents de l'Holocaus Austríac que va denunciar Jörg Haider, que en una sessió del parlament austríac on es discutia sobre els actacs amb bombes al poble romaní, Haider s'havia referit als camps de concentració nazis, com a simples camps d'internament.


Finalment, Margarete Schütte-Lihotzky va morir a Viena el 18 de gener de 2000, quan faltaven uns dies pel seu 103è aniversari, a casa de complicacions per una grip. Va ser enterrada en una tomba d'honor al Cementiri Central de Viena.


Per saber-ne més:



jueves, 28 de febrero de 2013

SONIA DELAUNAY I LA REVOLUCIÓ DEL DISSENY TÈXTIL



Pintora i escriptora, va tenir un paper destacat en el desenvolupament de l’Orfisme. A partir dels anys 20 es dedica al disseny de roba, les seves teles pintades a mà, amb colors brillants van revolucionar el disseny tèxtil.
Sonia Delaunay al seu taller

Sonia Delaunay-Terk, va néixer l’any 1885. Amb cinc anys, va anar a viure amb els seus tiets materns a San Petersburg, de qui va rebre una educació cosmopolita. A través de Max Liebermann, va prendre contacte amb el món artístic, i l’any 1903 es va traslladar a Karlsruhe per començar els seus estudis de pintura. Dos anys més tard es trasllada a Paris per continuar la seva formació a l’Academie La Palette

Durant la seva primera època, les seves obres reflecteixen l’admiració pel postimpressionisme i concretament, per l’obra de Vincent van Gogh, Paul Gauguin i Henri Matisse.

Per no haver de marxar de França, Sonia es va casar per conveniència amb Wilhelm Uhde, marxant d’art. Serà a través d’ell que entrarà en contacte amb els artistes de avantguarda com Picasso, Braque o el propi Robert Delaunay.
L’any 1910, es divorcia d’Uhde i es casa amb Robert Delaunay. A partir d’aquell moment el intercanvi artístic entre els dos serà constant. 
Sèrie "Contrastes simultanis"
Aviat es va interessar per les teories de color de Michel-Eugène Chevreul, també començaria la seva serie no figurativa de Contrasts simultanis. Aquell mateix any col·labora en la il·lustració i disseny del llibre La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars.
La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France de Blaise Cendrars
Quan comença la Primera Guerra Mundial, estava a Madrid, on es va quedar fins que va acabar el conflicte. El 1917, quan va triomfar la "Revolució d'Ocutbre", va deixar de rebre les rentes de les que havia viscut fins aleshores. Aquest fet va fer que comences a comercialitzar les seves creacions, primer a Madrid, on va obrir una botiga de moda, i més tard a Paris, on va obrir la Boutique Simultané.


Façana de la Boutique Simultané

A Paris, durant els anys 20, va mantenir una relació molt estreta amb els grups dadaísta i surrealista. Col·laborant amb ells en les produccions teatrals i cinematogràfics com Le P’tit parigot de Le Somptier Durante. Durant la decada dels 30, es va relacionar amb els grups que apostaven per l'abstracció en l'art com Abstraction-Création o Cercle et Carré i va ser una dels membres fundadors de Réalités Nouvelles el 1939. 




Escenes de la pel·lícula "Le Vertige" de L'Herbier (1926) i "Le P'tit parigot" de Le Somptier Durante (1926) amb escenografia i vestuari de Sonia Delaunay.






 
Quan va morir els seu marit, l'any 1941, va continuar treballant i col·laborant en la promoció de l'art abstracte. El 1946, va fer una donació d'obres seves i de Robert, es va  convertir en la primera dona a la que se li dedicava una exposició al Museu del Louvre de Paris.

Però la revolució de Sonia Delaunay, va ser en el món del disseny. amb les seves creacions i convinacions de colors, es va crear una veritable tendència de moda, que va inundar els carrers. Tan en la moda per senyora, com per senyor, en objectess de decoració i moda per la llar. Avui en dia es podria comparar a l'èxit que va tenir fa uns anys el dissenyador Jordi Labanda, o la colorista Agatha Ruiz de la Prada, que no només dissenyen roba, sinó tot tipus d'objectes quotidians. 



Dissenys de Sonia Delaunay


Per saber-ne més:

Sonia Delaunay, Arte y moda. (blog Mujeres en el arte)

Sonia Delaunay (blog Moda y Vestido)

Article de la revista Alfar dedicat a Sonia Delaunay, Per Susana Cedan

Sonia Delaunay and "The New Woman" (Dr. Sherry Buckberrough)