Sweet, Zuke, Peggy,
Trase, seguramente estos nombres no os dicen nada, ni os evocan a
ninguna de las pocas artistista que exponen su obra en los museos de
arte contemporáneo. Aun así, tienen el mérito de ser los "nombres de
guerra" de las pioneras del graffiti en España.
Los hombres dominan en el mundo del graffiti, aunque no hay que olvidar, que muchas chicas también se iniciaron en esta técnica a principios de los años 80. En Madrid por aquel entonces encontramos las primeras firmas femeninas: PEGGY, SKAPIN, SWEET, TERRA, KORAK, MARTA... Apenas nos a llegado información del papel que jugaron estas pioneras del mundo del graffiti. Fueron pocas, y la mayoria se acercaron al moviento por la moda del momento, probando con sprays y rotuladores...Así que tenemos que esperar hasta mediados de los 90 para encontrar la primera generación de escritoras españolas.
Y os puedo asegurar que haberlas, hailas! Pero hay poca bibliografía sobre ellas, o noticias... para poder completar este articulo, a todas luces incompleto, sobre las escritoras españolas, he tenido que buscar y rebuscar por la nube, rastreando noticias, entrevistas, facebooks agenos...
He aquí mi pequeño homenaje a estas artistas, escritoras, de las cuales he escogido cuatro para ilustrar esta entrada:
Musa71, Cloe, Menor, Laia, Yubia, Lahe178, Eme, Colmis, Fresh, Dune,
Turkesa, Ari, Makoh, Mali, Tha, Fati y Mali o las cracks del graffiti en
KR Store.
LAHE178
En los últimos años hemos podido observar que sin duda algunas las
propuestas femeninas más orginales del graffiti tienen un lugar de
origen en común y este es España. Nacida en Sevilla y manteniendo aún en
sus fotografías el anonimato, nos llega desde la madre patria el
maravilloso trabajo de Lahe. Cuando comienza a cursar la Licenciatura en Bellas Artes en la capital
Hispalense tiene su primer contacto con el mundo del graffiti y del arte
urbano . Ha partir de sus originales intervenciones en muros, haciendo
murales enormes con personajes urbanos y una técnica que combina
texturización de los personajes con tags enormes y rebuscados, aunque
también utiliza el básico canvas.
Eva Mena (Bilbao, 1978) forma parte del colectivo Extralargos. Es
licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura y también ha
realizado estudios de diseño gráfico y multimedia. En su obra,
aborda basicamente el retrato realista, aunque mezclado con el diseño
gráfico y la ilustración. Trata de plasmar la expresividad de los
rostros que elige para pintar, los cuales suelen ser cantantes y músicos, casi siempre relacionados con la música negra.
En una entrevista a " Rata Putak" en febrero de 2012, explicaba esta bilbaina, que la primera vez que pintó fue en 2002, pero hasta que no empezó la carrera de Bellas Artes, no se metió de lleno en el mundo del graffiti. Allí conoció a otros artistas, como Frik y Savage, con los que formó el Colectivo kr+. Desde sus inicos hasta ahora, su estilo ha evolucionado, aunque sigui pintando limpio y con colores alegres. Si quereis leer la entrevista completa: Entrevista: Yubia (Rata Putak)
Segun el Bombarcelona uno de los referentes femeninos de la escena Graffitide Barcelona y seguramente nacional. Debido a su longeva vida activa como escritora, ha sido una gran
noticia ver como por fin, monta un blog donde ir mostrando sus obras
actuales y no tan actuales, ya que lleva 22 años pintando.
Empezó a finales de 1989 en Barcelona. Siempre se ha interesado por las letras, hi ha firmado con diferentes nombres María, Venus, China o Chavo. Forma parte de cuatro grupos
Fucking Hell John (Amsterdam, Nottigham, Barcelona)
The Fantastic Partners (worldwide)
Funky Colors (España)
Black Magic. (España) En su obra confluyen múltiples influencias, ya que le gusta trabajar en equipo y aprender. Puedes encontrar muchas de sus obras y exposiciones, recientes y antiguas, en su blog.
Aprovechamos la entrada de
hoy para felicitar a la periodista congoleña Caddy
Adzuba, reconocida activista por la libertad de prensa y por los derechos de las mujeres y
las niñas de su país, ya que ha sido galardonada con el Premio
Príncipe de Asturias de la Concordia 2014.
Amenazada de muerte desde que denunció la
violencia sexual que sufren las mujeres de su país, en guerra desde 1996,
esta periodista de 33 años ha estado a punto de morir asesinada en dos
ocasiones y tiene protección de Naciones Unidas.
Y aunque no aparezcan mucho
en los medios, ni sean portadas de revista, ni trending topic, las activista
africanas se están convirtiendo en los verdaderos motores de la lucha por los
derechos de la mujer y las niñas del siglo XXI. Acomodadas como estamos, y
luchando por conseguir conciliar vida familiar y laboral y no morir en el
intento, muchas veces olvidamos las injusticias que todavía sufren las mujeres
en el mundo. La lucha por los derechos de las mujeres y niñas surge de África y tiene nombre propio.
Así pues hoy reivindicamos la figura de Caddy
Adzuba y Chimamanda Ngozi Adichie, luchadoras, feministas y un ejemplo para
nuestras hijas.
Caddy
Adzuba
Nació en Bukavu,
República Democrática del Congo, 1981. Es periodista, licenciada en Derecho por
la Universidad Oficial de Bukavu y miembro fundadora de la red Un Altavoz
para el Silencio. Caddy Adzuba trabaja en Radio Okapi, una emisora
que surgió como iniciativa de la ONU y que retransmite en todo el territorio de
R.D. Congo.
Es
también miembro de la Asociación de Mujeres de Medios de Comunicación del
Este de Congo, gracias a la cual se han realizado distintas alegaciones a
la Corte Penal Internacional y al Senado de los Estados Unidos, denunciando la
violencia sexual que sufren las mujeres de este país, que está en guerra desde
1996.
Adzuba
es presidenta de AFIDEP, asociación que trabaja con niñas para el Desarrollo y
Promoción de Valores Humanos, que opera en Bukavu desde 2004 y cuyo objetivo es
formar a lideresas.
En
abril de 2009 recibió el premio internacional de periodismo Julio Anguita
Parrado de la Federación de Sindicatos de Periodistas.
En
su trayectoria profesional destaca su compromiso en la defensa de los derechos
humanos y la libertad de expresión, y su denuncia de la violencia que se ejerce
contra las mujeres y de la utilización de las niñas y niños como soldados.
Nació en la aldea de Abba, quinta hija del matrimonio de etnia igbo
formado por Grace Ifeoma y James Nwoye Adichie. Pasó su infancia en la
ciudad de Nsukka, sede de la Universidad de Nigeria, en una casa que
anteriormente había sido habitada por el célebre escritor Chinua Achebe.
Su padre era profesor de estadística, y su madre trabajaba también en
ese mismo establecimiento de educación superior, como secretaria. A los
19 se trasladó a Estados Unidos con una beca por dos años para estudiar comunicación y ciencias políticas en la Universidad de Drexel, Filadelfia. Posteriormente continuó sus estudios en la Universidad Estatal del Este de Connecticut, en la que se graduó en 2001. Ha realizado asimismo estudios de escritura creativa en la John Hopkins, Baltimore, y un máster de estudios africanos en Yale.
En 2003, mientras se encontraba estudiando en Connecticut, publicó su primera novela, La flor púrpura (Purple Hibiscus), que fue muy bien recibida por la crítica y recibió el Commonwealth Writer's Prize for Best First Book (2005).
La acción de su segunda novela, Medio sol amarillo (Half of a Yellow Sun, 2006), así titulada en referencia al diseño de la bandera de la efímera nación de Biafra, se desarrolla durante la guerra civil nigeriana. La obra, alabada, entre otros, por Achebe, obtuvo el Orange Prize for Fiction en 2007. En 2009 publicó una colección de relatos breves, titulada The Thing Around Your Neck. Cuatro años más tarde lanzaba Americanah, que mereció el Premio del Círculo de Críticos Nacional del Libro.
Hay en la página del TED, organización creada en Estados Unidos para
potenciar ideas que puedan transformar al mundo, un vídeo de Chimamanda.
Fue su invitada en el 2009 y su charla ha sido vista por más de seis
millones de internautas: We should all be feminists.
Son seis pintoras que, aunque no
todas nacieran en España, irrumpieron en la vanguardia española del
primer tercio del siglo XX, coincidiendo con el movimiento cubista. Todas ellas fueron mitificadas, incluso
alentadas por sus compañeros; también fueron vistas como sujetos
exóticos; pero luego nunca han contado con una revisión oficial
equivalente a sus colegas masculinos, a pesar de ser pioneras. Quizás porque nunca manifestaron la vocación de articular un grupo, quizas porque tenian identidades dispares o porque sus biografías tienen poco en común. Sea como fuere, empezamos setiembre con mucha ganas, y rindiendo homenaje a estas grandes artístas.
María Blanchard (Santander, 1881-París, 1932)
María viene al mundo marcada físicamente como consecuencia de la
caída que sufre su madre embarazada al bajarse de un coche de caballos.
Esta deformidad resultante de una cifoscoliosis con doble desviación de
columna, condicionará desde su nacimiento su destino y la devoción por
su trabajo. Su enfermedad, hace que rehuyera obsesivamente, por lo que apenas
existen fotografías de la artista. "Tan amante de la belleza, sufría con
su deformidad hasta un grado impresionante", escribe su prima Josefina
de la Serna. Animada por los suyos emprende decididamente el camino del arte
trasladándose en el año 1903 a Madrid donde comienza el desarrollo de su
verdadera vocación. Sus primeros pasos vacilantes se dirigen al estudio
de Emilio Sala,
cuya precisión en el dibujo y exuberancia en el color influirán en sus
primeras composiciones. En Madrid siente el rechazo de una sociedad
cerrada. En 1906 la diputación de Santander y el Ayuntamiento de su ciudad natal le
conceden unas becas que utilizaría para proseguir sus estudios en París y
convertirse en la pintora que todos conocemos. En París acude a la academia Vitti a recibir las enseñanzas de Hermenegildo Anglada Camarasa y Van Dongen
que orientan su trabajo hacia la libertad del color y la expresión,
permitiéndole alejarse de las restricciones de la pintura académica en
la que había iniciado su carrera. Allí compartirá casa con Diego Rivera y Angelina Beloff, y entrará en el circulo cubista, donde establece una gran amistad con Juan Gris y Jacques Lipchitz. Biografía de María Blanchard en la Wikipedia María Blanchard en el Museo Reina Sofía
Maruja Mallo (Lugo,
1902-Madrid, 1995)
María Gómez González, más conocida por el seudónimo de Maruja
Mallo, nació en Viveiro (Lugo) el 5 de enero de 1902 y falleció en
Madrid el 6 de febrero de 1995.
Perteneciente a una familia de buena
posición, se inicia en el dibujo a edad muy temprana copiando
ilustraciones de las revistas de la época. En 1922, al trasladarse su
familia a Madrid, tanto ella como su hermano Cristino ingresan en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
En Madrid, su compañero
de estudios Salvador Dalí la introduce en el ambiente de la Residencia
de Estudiantes, donde encontrará a quien será su pareja intermitente
entre 1925 y 1931: Rafael Alberti. También conoce entonces a dos
personas de enorme influencia a lo largo de toda su vida: María Zambrano
y Concha Méndez.
En 1928 se produce su encuentro con José Ortega y Gasset. Crea algunos dibujos para la Revista de Occidente
y realiza su primera exposición, de gran trascendencia en su momento, en la que se
incluye su serie Verbenas pintada, según escribió entonces Francisco Ayala, por «un sentido jovial de la vida». Para
García Lorca: «Estos cuadros son los cuadros que he visto pintados con
más imaginación, con más gracia, con más ternura y con más sensualidad».
Los años inmediatamente anteriores a la Guerra Civil
los pasa como profesora de la Escuela de Cerámica y trabajando sobre
temas sociales –a lo que no es ajena su amistad con Miguel Hernández- y las Arquitecturas minerales y Arquitecturas vegetales,
que los críticos emparentan con la Escuela de Vallecas. A este respecto
hay que recordar su excelente relación con Benjamín Palencia y Alberto
Sánchez.
Desde Galicia, donde se
encuentra al inicio de la guerra con las Misiones Pedagógicas, se
desplaza a Buenos Aires en principio como conferenciante invitada por la
asociación de Amigos del Arte y con Gabriela Mistral, embajadora en
Lisboa, como mediadora,
pero su estancia se extiende hasta 1961, interrumpida sólo por algunas
temporadas en Chile y Uruguay. Esta vez es el entorno de la revista Sur quien la acoge.
Norah Borges, seudónimo de Leonor Fanny Borges Acevedo artista plástica y crítica de arte argentina, hermana del escritor Jorge Luis Borges, perteneciente al Grupo de Florida.
Marchó con su familia a Suiza para tratar la ceguera progresiva del padre, el abogado Jorge Guillermo Borges. Estudió en la École des Beaux-Arts de Ginebra con el escultor clasicista Maurice Sarkisoff y con Arnaldo Bossi en Lugano, cerca de expresionistas alemanes exiliados como Ernst Kirchner; con Bossi aprendió xilografía y la estética expresionista, según declaró ella misma en un reportaje de 1940 en la revista Atlántida. En Suiza escribió e ilustró su primer libro poético, Notas lejanas (1915). La estancia en Europa se alargó a causa de la Primera Guerra Mundial hasta 4 años. Tras viajar por toda la Provenza (Norah queda muy impresionada por Nîmes, a cuyo paisaje dedica algunas piezas) entran en España, donde amplió sus estudios y participó en las Vanguardias. Van primero a Barcelona y luego, en 1919, a Palma de Mallorca, donde Norah estudió con Sven Westman; allí los hermanos Borges colaboraron en la revista Baleares (Norah su "Músicos ciegos", etcétera); fueron luego a Sevilla, donde entraron en la Vanguardia del Ultraísmo; publicó trabajos suyos en Grecia, Ultra, Tableros y Reflector, así como, en 1920, el proyecto de portada para El jardín del centauro, un libro de poemas de Adriano del Valle; pasan por Granada y finalmente recalan en Madrid, donde Norah estudió con el pintor Julio Romero de Torres. Allí amistó además con Juan Ramón Jiménez, algunos de cuyos poemas ilustró, y quien le dedicó uno de los retratos líricos de su libro Españoles de tres mundos. Vuelven luego a Palma de Mallorca en junio de 1920. Norah Borges en la Wikipedia Biografía de Norah Borges en MCM
Olga
Sacharoff (Tblisi, 1879-Barcelona, 1967)
Nació en Georgia, estado actualmente independiente y antes englobado en la URSS. Su madre era de origen persa. Tras estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Tiflis, se trasladó a Múnich (1910) y entró en contacto con el expresionismo alemán. Allí residía también su futura pareja, el fotógrafo y pintor Otto Lloyd, quien vivía gracias al dinero que le remitía su madre desde Suiza. Olga y Otto no se conocieron en Múnich, sino años después en Capri, durante un veraneo. Olga Sacharoff viajó a París en 1911, acusando la influencia de Cézanne hasta sumergirse en el cubismo
más radical, denominado «sintético». Ya emparejada con Otto Lloyd,
frecuentó el círculo de exiliados rusos encabezado por Marie Vassilief.
El estallido de la Primera Guerra Mundial llevó a Sacharoff a viajar a España en 1915, junto con Otto. Primero la pareja residió en Mallorca, y en 1916 se estableció en Barcelona. Algún historiador considera que ella fue la introductora del cubismo en dicha ciudad. Sacharoff colaboró en la revista de Francis Picabia 391, que se editó en Barcelona y que se considera portavoz del dadaísmo. De esta revista se publicaron cuatro números, en los que colaboraron también Marie Laurencin y Apollinaire. En 1922, Olga y Otto viven una crisis de pareja y se separan. Ella entra en una depresión y deja de pintar durante cinco años. Reaparece en 1934, con una exposición en las Galerías Layetanas de Barcelona y al año siguiente en el Salón Montjuic, donde fue nombrada «Miembro societario». Al estallar la guerra civil española (1936), Olga se traslada a París y se reencuentra con Otto Lloyd; se reconcilian y en 1939 exponen juntos en la Perls Gallery de Nueva York. Acabada la guerra, regresan a Barcelona, su casa se convirtió en sede de una animada tertulia, de la que queda como testimonio un cuadro, La Colla, con 41 personajes. Elegida por Camón Aznar, participa en el I Salón de los Once de Eugenio D'Ors en la Galería Biosca de Madrid. Dos años después organiza una retrospectiva de su obra parisina de 1910-30, y en 1960, la Dirección General de Bellas Artes le dedica una antológica. En 1964, sus amistades se movilizan para que se le conceda la Medalla de la Ciudad de Barcelona, y lo consiguen. Olga Sacharoff muere tres años después, en 1967. Olga Sacharoff, una història d'exili i acollida (ICD) Notícias sobre Olga Sacharoff en El País
Remedios Varo (Gerona,
1908-México, 1963)
Relacionada en sus inicios con los movimientos de vanguardia, su obra se
inscribe dentro de un surrealismo muy personal. Entre sus cuadros,
caracterizados por una gran profusión de imágenes y una peculiar
combinación de poesía y humorismo, destacan Insomnio (1942-1947), Modelo de traje para vagabundo (1957) y Vampiros vegetarianos (1962).
En 1936 participó en la Exposición Logicofobista
realizada en Barcelona y, desde entonces, se acercó a los componentes
del surrealismo francés. Durante la Guerra Civil (1936-1939) conoció al
escritor francés Benjamin Péret y, tras un tiempo de vida en común en
España, marcharon a París. En la capital francesa participó en las
reuniones y exposiciones surrealistas. Tras la invasión del ejército
alemán, abandonó París y se instaló en México (1941).
Allí empezó a trabajar como artesana, pero
enseguida pasó a formar parte del grupo surrealista y a relacionarse
otra vez con Esteve Francés y, sobre todo, con la pintora británica
Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente artístico fue definitivo en
la concepción estética de la creadora española. También formaron parte
del grupo al que era asidua Octavio Paz, César Moro, Eva Sulzer, Gunther
Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre otros.
Su obra anterior a la Guerra Civil es poco conocida, pero lo que se ha
conservado indica la dirección que iba a seguir en los años posteriores:
imaginería onírica dentro de los parámetros del surrealismo ortodoxo
(que después se haría más libre) e ingenuismo estilístico. Su conciencia
narrativa, a menudo recargada de figuras tomadas de los cuentos
infantiles, llega en algunas obras a hacerse casi sofocante. Aun siendo
ello interesante, la autora dio lo mejor de sí cuando se ocupó más en
crear relaciones espaciales y cromáticas per se, liberadas de
abigarramientos iconográficos. No obstante, son muy célebres sus
exploraciones de diminutos mundos fantásticos (con evidentes evocaciones
del mundo medieval y de la pintura de El Bosco y Brueghel el Viejo), su
gusto por las escenas referidas a la alquimia y sus metamorfosis de la
figura femenina, mito primero de la creación simbolizado como fuente
natural de belleza y regeneración.
Artista gráfica española. Sus primeras obras están a caballo entre el surrealismo y el expresionismo, luego se decantó hacia el postimpresionismo con temas de paisaje e interiores. En 2005 recibió de la Generalidad de Cataluña el Premio Cruz de San Jorge.
Hermana del poeta y crítico de arte Rafael Santos Torroella,
se inició en el dibujo y la pintura a los catorce años durante su etapa
colegial en el internado de las Esclavas Concepcionistas de Sevilla.
Dos años más tarde se trasladó con sus padres a Valladolid, ciudad donde recibió clases del pintor italiano Cellino Perotti y pintó, a los 18 años, Un mundo, óleo de gran formato que representa un extraño planeta surrealista, conservado actualmente en los fondos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Tras realizar un par de exposiciones en Valladolid, su participación en el IX Salón de Otoño de Madrid
el año de 1929, incrementó su fama teniendo como consecuencia la
publicación de artículos que dieron razón de su pintura (medio expresionista, medio surrealista) de la mano de intelectuales y críticos como Jorge Guillén, Ramón Gómez de la Serna, Manuel Abril, Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Guillermo Díaz-Plaja, Joan Teixidor, entre otros. En 1931 realizó una exposición individual en París y, en 1932, participó en la colectiva de Artistas Ibéricos en San Sebastián, Copenhague y la capital francesa. El año siguiente fue invitada a exponer en la muestra colectiva del Carnegie Institute de Pittsburgh (EE. UU.) y en 1936 figuró en el pabellón español de la Bienal de Venecia. En 1933 se trasladó a Barcelona, ciudad donde contrajo nupcias con el
pintor Emilio Grau Sala en 1936. En este periodo, Santos dejó de
pintar; ya sea por relegar el arte a un segundo plano debido a su
matrimonio y el nacimiento de su hijo Julián, o como señala Mercedes Prado,
porque su estética, frente al Noucentismo catalán, entró en crisis tras
ser calificada de dura y poco amable debido a su tilde expresionista y
oscuro cromatismo. Debido a ello, cuando Santos volvió a dedicarse a la
pintura, esta se dulcificó y abordó temas como el retrato, los
interiores urbanos y los paisajes marítimos de la ciudad condal; motivos
que los críticos contemporáneos le reprocharon su impronta
postimpresionista. Falleció el 3 de octubre de 2013 en su casa. Ángeles Santos, precursora secreta de las vanguardias Angeles Santos se lleva el enigma (notícia EL PAÍS)
